В новой статье из цикла «История и теория анимации США» мы познакомимся с одним из крупнейших американских мультипликаторов 70-90-х Ральфом Бакши. Создав свой уникальный художественный стиль, он привнес в национальное искусство и развитие мировой анимации огромный вклад. Мы начнем рассказ о Ральфе Бакши с погружения в культурный контекст эпохи, чтобы понять мотивы и предпосылки творчества аниматоров того времени.

Мятежные 1960-70-е годы, время глобального изменения в сознании миллионов граждан США понятий «искусство» и «общество», эпоха хиппи и битников нашли свое отражение и в эстетике аниматографа

В очередной статье из цикла «История и теория анимации США» мы продолжим рассматривать важный момент эволюции сериального экранного мультгероя, а именно его возвращение на большие экраны. Во второй части статьи мы познакомимся с удачными и неудачными опытами адаптации различных мультсериалов при создании полнометражной версии, среди которых «Утиные истории», «Гуффи», «Том и Джерри». А также проанализируем и обратный путь – какие полнометражные герои породили целые сериалы и почему?

Следующей попыткой адаптации мультсериала стали «Утиные истории», которые в телеэфире шли в паре с «Чипом и Дейлом». Первоначальный замысел создателей полнометражной версии, заключающийся в привлечении новых зрителей, стал «жертвой» обновленной программы телевещания студии «Walt Disney Pictures»

Первые опыты адаптаций мультсериалов для создания полнометражного мультфильма появились уже на современном этапе развития американской анимации, который мы условно обозначим промежутком времени с конца 1980-х и до настоящих дней. До этого мы обзорно (но с необходимыми деталями) изучили основные направления генезиса образных и сюжетных схем мультсериалов и специфику построения анимационного действия полнометражного фильма в США, необходимые для рассмотрения данного периода и понимания тех или иных эстетических позиций и принципов. Пионером в этом адаптационном направлении вновь выступила студия «Walt Disney».

Мы уже говорили о спаде производства и кризисе эстетического плана студии в связи с уходом самого Диснея, а также с повсеместной критикой его стиля в духе преобразований последователей «Новой волны»

Сегодня, спустя почти сто лет после премьеры «Кот Феликс» (Felix the Cat) — это успешная франшиза, приносящая правообладателям существенные прибыли (при том, что новых серий не снимается уже 30 лет). В чем успех этого анимационного произведения? Что «Кот Феликс» дал технике и эстетике анимационной школы Америки?

Упрощение изобразительного решения и лаконичность графического стиля, получившие повсеместное распространение в начале 20 века, совсем не означают низкий художественный уровень анимационных сериалов, особенно если они снимались в комиксной эстетике, но без печатного прототипа и сравнивать их, в принципе, было не с чем. Это с успехом доказал «Кот Феликс», созданный в 1917 году на студии Пата Салливана. Более того, он стал самым популярным сериалом своего времени

Принципы диснеевской анимации, полученные практическим путем, исходя опыта конкретной повседневной работы, оказались настолько эффективными, что их изучение стало обязательным сначала для аниматоров Диснея, а потом и для аниматоров всего мира. В целом это наиболее полный набор технологических приемов, необходимых для создания образа и его динамики в анимационном фильме.

Эти принципы, безусловно, имеют гораздо более широкое применение, чем область анимационного кино. Основанные на общих законах восприятия визуальной информации, они обеспечивают наилучший режим восприятия